LABIO DE LIEBRE- Fabio Rubiano por Andrés Gómez

8 de octubre: Día del teatro latinoamericano

.. Comments (0)1155

Foto de Fabio Rubiano en su personaje de la obra Labio de liebre, tomada por Andrés Gómez.

El Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral – Celcit, con el respaldo de varias organizaciones dedicadas al teatro en Suramérica, han declarado desde 2016, al 8 de octubre, como el Día del teatro latinoamericano.

Un martes 8 de octubre de 1968 nació el festival de teatro más antiguo del continente, el Festival Internacional de Teatro de Manizales. Con invitados de Argentina, Brasil, Ecuador, Paraguay, Perú, Venezuela y Colombia, este evento comenzó su sólida carrera que cumplirá en 2018 el medio siglo. La importancia histórica para el teatro latino de esta infaltable fiesta del teatro de la capital caldense, fue la razón por la cual el Celcit, agendó en los calendarios, esta fecha de octubre para festejar nuestro teatro. La celebración anualmente tendrá un invitado especial quien dirigirá unas reflexiones a cerca del teatro, con una mirada contextualizada y muy seguramente pertinente.

El 8 de octubre de 2017, celebrando el Día del teatro latinoamericano, el actor, dramaturgo y director fusagasugueño, Fabio Rubiano, es el convocado para compartirnos sus palabras. A continuación el discurso completo, que en voz de su autor clausura el Festival Internacional de Teatro de Manizales edición 49:

La risa que provocamos
 
Somos un continente, o varios continentes donde pasan cosas tan aterradoras y devastadoras que nos producen risa.
Sí, risa.
No solo en los teatros.
Y cuando nos reímos ante un crimen, cuando no nos detenemos ante un niño tirado en la calle, cuando bailamos apretados (casi en un ritual de fertilización) un ritmo tropical en cuya letra dice “mátala, mátala, mátala, no tiene corazón esa mujer”, cuando toda la izquierda atea apoya la llegada del Papa, y la ultra derecha católica la rechaza, nadie lo entiende.
Sí, alguien lo entiende: nosotros, aunque antes parecía que otros hablaran mejor de nosotros que nosotros.
Y eso hizo que a los ojos de los extranjeros produjéramos también risa, o desprecio, o fuéramos vistos como una cultura aun sin desarrollar (la sensación permanece); o como la raíz de un desarrollo que otros ya alcanzaron. Como si el desarrollo estuviera en otra parte.
En alguna parte.
 
Una región del sinsentido.
 
Y llegó el momento en que nos dimos cuenta de que, si queríamos hablar de la locura, de la propia, la de nuestra tierra, no había que buscarla afuera de la casa, cuando adentro había un padre esquizofrénico, una madre alcohólica, unos hermanos con ataques de pánico, y unos tíos que llegaron de visita y no paraban de delirar.
 
Llegó el día en que no pudimos basarnos en los análisis de los desvaríos de la familia del forastero, ni en los tratamientos que se les dieron a otros males, de otras épocas, de otros climas, para tratar los de la nuestra.
 
Llegó la hora en que miramos a nuestra familia y anotamos las manías que no se veían en otras, o que se veían diferentes, y supimos cómo se veían los desvaríos desde adentro de la casa, y desde afuera. Y nos obligamos a mirar por las ventanas los ataques de histeria, a buscar debajo de las camas los cuerpos muertos que llevaban escondidos años, a meternos adentro de las camas para escuchar lo que se decían los amantes.
 
Hicimos esa tarea y comenzamos a entender dónde estábamos.
A lo mejor no lo hemos entendido, pero comenzamos a tener el estado del arte de la sinrazón para empezar a describirnos.
 
Todo eso lo ha hecho el Teatro.
 
No es que no le debamos a Foucault textos sobre nuestra locura, pero es que aquí la sensatez es diferente, vivimos en el trópico con mosquitos, o en ciudades en el páramo repletas de gente y carros, donde gastas dos horas para llegar al trabajo; y eso en sociedades donde la comodidad y las necesidades básicas están resueltas, donde nadie se ríe de un muerto, donde no se baila friccionándose, y donde además cae nieve cuatro meses del año, no se puede entender.
 
Santiago García, maestro del teatro la Candelaria siempre se preguntó “Cuál es nuestro personaje”. Alejandro González Puche y Ma Zhenghong docentes y directores teatrales en la Universidad del Valle ponen Chejov en tierra caliente “Cambiamos la geografía y por supuesto la temperatura de la hacienda”
Y aun se oyen gritos cuando nuestros Shakespeare nada tienen que ver con lo isabelino.
¡Traición!
Sí. Tuvimos que hacerlo.
 
Tuvimos que traicionar al Brecht que nos enseñaron en el que la emoción nublaba la razón, y lo legal era evitar a toda costa la empatía.
¡Nos pedían renunciar a las emociones!
¿A una sociedad que seduce mientras baila “mátala, mátala”?
 
Verdaderos salvajes
 
El doctor en antropología social Carlos Granés en su libro El puño invisible hace una lectura de las vanguardias desde Marinetti hasta los indignados. En el capítulo dedicado a Kerouac y a la visión de la generación beat sobre América Latina, dice cosas más que antropológicas, literarias o sociológicas, teatrales: Sal Paradise y Dean Moriarty, personajes de En el camino, en su búsqueda de paraísos perdidos fuera de la consumista sociedad norteamericana, llegan a México y al cruzar el desierto mexicano gritan “Qué país tan salvaje”, “Auténticas chozas miserables” ven un mundo que solo existe en sus fantasías y deseos, no en la realidad. Añaden:
“Nadie desconfía, nadie recela. Todo el mundo está tranquilo, todos te miran directamente a los ojos y no dicen nada, solo miran con sus ojos oscuros y en esas miradas hay unas cualidades humanas suaves, tranquilas, pero que están siempre ahí”
¿Algún latinoamericano hablará así de otro?
¿Lo infantilizará de esa manera?
Durante un tiempo sí. Hubo épocas en que todos los obreros y los campesinos tuvieron la razón en las obras.
Cuando estos gringos vieron Juárez, el alcohol y las prostitutas los obligaron a cambiar de posición. Y se fueron para el otro lado, Juárez era ahora el territorio del mal.
Burroughs mismo en su gira por Latinoamérica decía que en Bogotá los subalternos de las oficinas llamaban doctor al primero que veían, y todo el mundo, así estuviera en la miseria llevaba corbata; que los policías eran incompetentes y feos debido a las radiaciones atómicas; que en Mocoa los brujos que preparaban el Yagé eran viejos borrachos y de poca vergüenza, que en Puerto Asís el especialista local en Místers le había cobrado 20 dólares por acostarse con él, pero que le había robado los calzoncillos; que Ecuador era horrible y tenía complejo de inferioridad, que Lima le gustaba porque le recordaba a México, y además encontró jovencitos baratos a los cuales llevarse a la cama.
Anota con toda la ironía el maestro Granés “¡Sorprendente revelación la que tuvo Burroughs!… El subdesarrollo era excitante y divertido.”
 
Pues no, gringos. No somos ni lo uno ni lo otro.
 
Hacemos teatro, y lo principal en nuestro teatro es luchar contra los cánones establecidos, mucho más si vienen de afuera. No somos ni lo originario ni la raíz; tampoco solo putas y bares, ni indios brutos y sumisos, ni el paraíso del realismo mágico, ni los más violentos del mundo. Tal vez cuando viene un artista francés y se corta un dedo para que liberen a Ingrid Betancourt, muchos saltan al ver la amputación, pero saltamos más cuando vemos que el artista queda mutilado, y la secuestrada sigue secuestrada.
Y nos da risa.
Y eso no es motivo de orgullo, lo que pasa es que nuestras sociedades se han movido tanto que lo sagrado se encuentra en otro lugar.
 
Del sainete a Brecht
 
Nuestro realismo (no mágico, insisto) se encuentra en lugares muy diferentes de los que hemos visto a lo largo de la historia.
En algunas partes de nuestro continente pasamos del costumbrismo y el sainete directamente al distanciamiento brechtiano, y lo interpretamos desde Boal, y Buenaventura y García, y Peixoto, y Dragún y Tavira; más (aunque también) que desde Bernard Dort o Adorno o Benjamin.
 
Las reglas eran claras: había que salir del provincianismo y transformar la sociedad desde el escenario, había que construir un teatro que renovara, que generara conciencia, que determinara las bases de la equidad, que trabajara contra el consumo, que no fuera solo diversión, que no se quedara en la emoción.
Y abrimos los ojos porque había cosas que entendíamos, pero otras no.
 
Y nosotros sí queríamos divertir, y sí queríamos tener muchas emociones, y sí queríamos generarlas.
También queríamos transformar la sociedad, y pensábamos que lo podíamos hacer. Estábamos en contra de la censura, pero había temas que era mejor no tocar porque no eran lo suficientemente profundos y potentes como para transformar las bases de la sociedad, entonces nos estábamos censurando.
La adolescencia creativa estaba en pleno furor.
Adolescencia que no pasa, que no creo que a ningún artista se le pase.
Menos a los de este lado del mundo.
 
Y tuvimos que traicionar a los maestros, y decidirnos por un pensamiento propio. El primero fue Brecht. Dejamos de pensar que con la emoción se alteraba la comprensión, o la capacidad de crítica. Y descubrimos que eso solo sucedía cuando se instauraba un teatro programático, cuando había una única emoción, y aparecieron varias: odiamos al antagonista, pero también lo amamos, y odiamos a la víctima, pero también la amamos y la compadecemos, y nos solidarizarnos con la víctima y nos solidarizamos con el criminal.
Por qué, porque somos seres complejos, ni más ni menos que cualquiera.
Nos dimos cuenta de que el teatro no es conciencia y mucho menos la correcta, que asumir eso no era hacer teatro, era creernos portadores de la verdad.
Y nada mejor que equivocarse.
Los personajes tenían que hablar con sus propias voces.
 
Y es cuando nuestro distanciamiento nos da Chejov de tierra caliente con aristócratas rusos con ropa de aquí, y en vez de cerezos hay palmeras, y el Tío Vania es el Tío Ivám, y nuestros bosques del sueño de una noche de verano tienen minas antipersonales, y nuestras peleas con espadas son evidentemente falsas porque descubrimos que nunca en la vida en ninguna obra de la historia del teatro universal han sido creíbles.
Y ahí, con esa distancia, apareció nuestro realismo.
 
Práctica
 
Las utopías siguen, pero no defendemos unos votos de pobreza que quién sabe quién instauró en el imaginario teatral latinoamericano como mecanismo de pureza y creación; nos interesan los teatros llenos de todo tipo de públicos, agradecemos y debemos mucho a los gestores culturales, sabemos lo que es un patrocinio, estamos aprendiendo a cobrar.
 
No sé si llegaremos a ser ricos y a comprar una isla, un yate o una mansión. Pero sabemos que, si las tenemos, allí haremos teatro. Obras que sucedan en una mansión donde posiblemente todo se destruya y al final corten los cerezos (o las palmeras), islas donde se llegue a buscar a Pedro Páramo. Sí. No en un desierto. Así somos.
 
Le perdimos el miedo a provocar risa, dejamos de pelear por el lugar donde se debe ubicar la emoción. Hay quienes la ponen en el escenario, otros la quieren de la primera fila hacia allá, otros en ambas partes.
 
Así somos
 
Agradezco el honor de poder hablar en este día tan especial. Hablo en mi nombre, en nombre de Marcela Valencia, con quien fundamos el Teatro Petra, y en nombre del grupo. Aquí nadie ha hecho nada solo.
 
Doña Perla, la mamá de Marcela, al salir del estreno de la segunda obra del grupo le dijo: hija, la obra está muy buena, ¿pero es necesario que salga sin ropa?
Sí, mamá, le respondió Marcela.
Es que se le ve todo, dice doña Perla.
No se me ve nada, mamá, solo los pelos.
Era el final de los 80 y el vello púbico aún era un elemento atractivo, no se había entrado en la exigencia pederasta de los genitales rasurados.
No era fácil salir desnuda delante de un teatro lleno cuando la mamá de tradición cristiana estaba en platea acompañada de tías y primos.
Así ya lo hubieran hecho hasta el cansancio en los sesentas. No era fácil. Esto era Colombia, Latinoamérica.
No era fácil, pero lo hicimos.
Mientras nosotros lo hacíamos con miedo, grupos de sociedades acomodadas nos mostraban en escena cuerpos revolcándose en sangre de utilería, y se masturbaban sin el menor rasgo de intimidación.
 
Mientras todo esto pasaba en nuestros países se cortaban cabezas.
Y a nosotros nos daba risa.
Las dos cosas.
Así es nuestro teatro.
 

Fabio Rubiano Orjuela. Teatro Petra

*Aquí puede descargar el discurso para el Día del teatro latinoamericano por Fabio Rubiano.

 

Deja un comentario

Tu dirección de correo electrónico no será publicada. Los campos necesarios están marcados *

Puedes usar las siguientes etiquetas y atributos HTML: <a href="" title=""> <abbr title=""> <acronym title=""> <b> <blockquote cite=""> <cite> <code> <del datetime=""> <em> <i> <q cite=""> <strike> <strong>