LILIANA ALZATE CUERVO

Apuntes sobre la evaluación del concurso de dramaturgia distrital “Teatro en estudio” de Idartes 2017

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Por: Liliana Alzate Cuervo

Actriz, dramaturga, crítica teatral, docente, autora de los libros El teatro femenino: una dramaturgia fronteriza y ¿Cuál es su problema fundamental. Diálogos con Santiago García.

Fundadora de La Luna Dá, proyecto artístico en Barichara – Santander.

Jurado evaluador del Premio de dramaturgia “Teatro en estudio” del Idartes 2017

*Texto tomado del blog de Liliana Alzate, vanguardiateatral.blogspot.com.co y que por iniciativa de la misma autora compartimos en nuestro blog de Kiokso Teatral.

La siguiente  reflexión se trata sobre el concurso de Premio de Dramaturgia Teatro en estudio de Idartes 2017, donde hice parte como jurado en el mes de agosto, pues quisiera dejar plasmado aquí en mi blog y a quien interese las reflexiones fuera de la planillas institucionales,  pues considero que el trabajo es de suma importancia para la ciudad  y cuenta con muy poca reflexión como certamen. También porque como siempre ocurre no llegan los análisis serios a los directos interesados que son sus autores y todo es medido cualitativamente  sin poco tiempo de reflexión colectivo, por parte de de la triada de jurados y los encargados de las instituciones, que a mi parecer merecerían mayor rigor en este tipo de certámenes.

Quiero  subrayar que me quede con serias inconformidades con la manera de evaluar y decidir estos certámenes. En vista de la poca escucha y bajo nivel de análisis en la evaluación final quiero con este escrito socializar mi evaluación y así aclarar mis inconformidades. Esta es la razón por cual decido publicar en este blog, mis criterios y así no sentir que mi arduo y dispendiosos trabajo fue en vano y que no llega a los que también con mucha dedicación decidieron enviar sus obras al concurso.

Considero que no pueden seguir primando en este tipo de concursos públicos el oficio burocrático donde lo que importa es la cantidad más que de calidad, ya que el verdadero significado de la escritura dramática esta ligado a develar un momento histórico ya que el arte es un espejo de cómo se asume la realidad de un país, y sus políticas culturales deben ser acordes a lo que esta ocurriendo, o al menos un poco comprometidas con una mínima cualificación artística

Criterios evaluativos más allá de la planilla

Iniciare con unos conceptos básicos del Texto dramático para aclarar algunos criterios evaluativos e intentar la coherencia en los objetivos de la beca de dramaturgia, específicamente ante las propuestas dramáticas de este año para la ciudad de Bogotá, que tuve la fortuna de leer detenidamente.

El siglo XX se inició con la revolución copernicana de la centralidad del actor. La palabra teatro se transforma en teatro de acción física, el gesto, la emoción del actor interpretativo, que también ya se reconoce como un texto representacional, así como la dirección moderna hace que el primer paso en la reforma del teatro rechace la idea ‘fotográfica’ de la escena, y afirma la preeminencia del arte. Ya en este siglo XXI se asume  que el esquema dramático compone un texto de cierta teatralidad que puede ser literaria, narrativa, plástica, gestual, en movimiento, entre mil más formas de escritura del cuerpo en la escena.

Ahora bien, la característica común que todavía se encuentra en la contemporaneidad de la cultura teatral es la superación de la simple representación de la realidad, ya que con la llegada del cine, la televisión y ahora la internet, se evidencia una clara separación entre lo que es todos los días e inmediatamente perceptible y la ‘verdad teatral’. Esta veracidad es posible gracias a las herramientas expresivas del teatro actual.  Tales sugerencias se encuentran en el texto dramático no solo en la narración, en la acotación, en los diálogos de los personajes y por supuesto será el juego imaginativo que el actor establece con el público en la futura representación.

Por otra parte, sabemos que en el texto dramático literal existe un texto secundario. Este podemos definirlo como el conjunto de anotaciones, explicaciones e indicaciones que tienen que ver con lo que es la representación dramática. De esta manera, nos encontramos con el hecho de que a través de aquel, se dejan patente cuestiones tales como los sonidos, los movimientos, el vestuario de los personajes, el ambiente en el que debe desarrollarse en la escena. También hay que referir que en los textos contemporáneos o actuales, existe un tercer texto que se realiza con varios tipos de textualidades (documento histórico, literatura, oralidad, noticias, crónica, música, coreografía, sicomagia, entre otros.), componiendo un texto mestizo que algunos han llamado narraturgia, postdramático, entre otras categorías.

En este contexto, los autores-actores han dado a luz recientemente al género teatral unido a la realidad cotidiana, y que algunos especialistas  llaman teatro narrativo, o narraturgia. Todas estas categorizaciones actuales están más cerca de un modelo de la narración de la Edad Media que el concepto de teatro realista del siglo XIX,  por lo tanto está más cerca a la oralidad que recupera una memoria del ritual de la palabra dentro de una comunidad. Para nosotros más cerca a nuestros orígenes y nuestra teatralidad híbrida de país mestizo.                                      

Conceptos generales sobre las 81 obras presentadas

El tema de la violencia permea inevitablemente la gran mayoría de los universos planteados en los escritos, con diferentes estilos y texturas textuales se evidencia directamente una denuncia. En algunas propuestas de manera simbólica, ficcionada, fantaseada, metaforizada. Pero siempre a favor de los menos desfavorecidos: obreros, campesinos, gentes de la calle, madres cabeza de familia, mujeres vulneradas, niños, prostitutas, travestis, soldados rasos de ambos bandos. En general demuestra una mala imagen de las instituciones o instancias de poder (religión, militares, políticos). Pocas equilibran las voces de victimario y víctima.

Personajes ficcionados: dioses y diosas griegas,  fuerzas energéticas de mitologías americanas, animales humanizados, infrahumanos, marionetas, extraterrestres, personajes alegóricos: dios, demonio, conciencia, muerte, angustia. Muertos vivientes.

Asuntos: falsos positivos, desplazamiento forzado, tráfico de órganos, exilio, limpieza social, injusticia social, abandono vejez o niñez. Prostitución, corrupción. Violencia intrafamiliar, abuso de menores, religión, homosexualismo.

Espacios: limbo, no lugar, la nada, postcatástrofe, imaginarios poco esperanzadores, teatro de los muertos.

Citas y referentes literarios: mitología griega, oralidad wayuu, piquería vallenato, la biblia – apartes del Apocalipsis, Spinoza, Freud, Arrabal, Calvino, Dostoievski, Virgilio, Ariel Rivero, Kafka, entre otros.

Espacios interiores: casas antiguas, habitaciones, oficinas, ascensores, burdeles, bares, anfiteatros, apto de ciudades.

Solo dos propuestas para  teatro de espacios abiertos para teatro de calle y dos con uso de muñecos y actores.

Nuevas subjetividades aparecen en escena: cultura wayuu, LGTBI, mujer -diosas, victimarios.

Referentes latinoamericanos de este tipo de teatro en Argentina, por ejemplo posdictaduras aparecen: teatro de los muertos, teatro evasionista, atrocidades generadas por la descolonización.

Hay un tono generalizador de la textualidad y es un tono de libertad carente de cadencia dramática, uso de la brutalidad, del lenguaje obsceno, y  religioso.

Tendencias dramatúrgicas de las 81 propuestas de textos teatrales

Las estructuras de las propuestas en su mayoría son clásicas. Muchos interiores, salas, oficinas, espacios convencionales. Hay una generalizada  confusión entre acto, escena, cuadro, acto único, monologo vs cuento. Algunas entre guión, sketch, dialogo, documento real y ficcionados,  literatura dramática con texto dramático, entre otros. Si bien todos estos lenguajes se usan hoy en la dramaturgia contemporánea, ellos son hibridados, tejidos buscando un sentido significativo, trasformador de imaginarios que requiere de un conocimiento previo y un nivel de riesgo dramatúrgico. Pero no es el caso de la mayoría de las propuestas.

En general me sorprendió la coincidencia de los escenarios de la post-catástrofe.  Los Escenarios de post-catástrofe, son en la filosofía teatral una búsqueda escénica del desastre, del antes y después. ¿Cómo se captura en el espacio escénico la sensación de las fuerzas del desastre, de las potencias que ya se han ido y han dejado su secuela?”. A partir de este cuestionamiento he revisado las poéticas implícitas en cada una de las 81  propuestas formando una evaluación diferencial de las piezas, y  podría arriesgarme a decir que en este año 2017, la escritura dramática en la ciudad capital busca una integración de referentes: filosóficos, antropológicos estéticos, dramáticos, literarios, orales, tecnológicos, científicos y hasta astrológicos, además de los lenguajes de las artes escénicas rodeando siempre la idea de post-catástrofe, de duelo de algo irremplazable, de fin de la guerra, de la zozobra de los que vendrá.

Muchas de las propuestas llevan a escena directamente la cruda realidad del país, hasta con nombres propios en algunos casos, aludiendo a la época del teatro de denuncia o al teatro documento. Como si los autores estuvieran preocupados por una re-escritura de la guerra, sin transformación poética en el uso de la acotación. También recordé el teatro de los muertos usado en la Argentina en época de post-dictadura. El dispositivo poético de la memoria advertido en el teatro de los muertos se trata de las experiencias y representaciones del pasado; en general, la inabarcable masa de teatro de quienes nos precedieron, el teatro que hicieron los ya muertos, de alguna manera misteriosa, regresa cada vez que se produce un acontecimiento teatral. La memoria del país en el teatro de los muertos se hace presente en cada nuevo acontecimiento.

La estructura de la mitología griega como metáfora de la guerra del país o del mundo actual es abordada varias veces. Unas con más experticia que otras. Así como otros temas relevantes que aunque no son novedosos en la dramaturgia contemporánea, en nuestra historia dramática no se han develado mucho, ellos son: la perspectiva de género y los derechos de la mujer y los LGTBI, la estética queer, lo fantástico, el género negro, uso de nuevas tecnologías y los animales humanizados.

Según mi punto de vista respecto a la evaluación de un texto dramático, las planillas de evaluación no son amigables, ni completas. Por ejemplo los porcentajes entre el primer criterio de evaluación (Solidez y coherencia interna de las obras) y el segundo (Calidad del texto: estructura, acción dramática, uso del lenguaje, entre otros), tienen el mismo 40%, y no lo comparto ¿porque serían iguales?, y el último punto (aspectos innovadores de la propuesta dramatúrgica) me queda confuso, ¿cuál es el criterio de lo novedoso en el arte? (Nuevas tecnologías, actualidad del tema, uso del lenguaje, estructuras poéticas, o podríamos pensar  que no existe nada novedoso en el arte actual.).

Podría existir algún tipo de categorías y otorgar más premios en talleres o clínicas dramatúrgicas a los autores, ya que algunas propuestas requieren de alguna ayuda, guía para que continúe los procesos de escritura o investigación de temas interesantes y relevantes de ser abordados.

Por la cantidad tan abrumante de propuestas, me parece que se requiere más tiempo para la evaluación. Y más dedicación en cada una de las propuestas. Recordemos que es un texto artístico, la lectura en pantalla, personalmente me parece incompleta. Para establecer un criterio justo se necesita poder volver al texto.

Para el futuro de las convocatorias, sugiero que si van a recibir ese volumen de obras para un solo premio, consulten la posibilidad de que exista una categorización y se otorguen otros premios en especies como clínicas dramatúrgicas, para no descartar sin comentario.

En síntesis los puntos generales de las propuestas:

1. La presencia obsesiva de la guerra, la muerte, tratada como ritual y/o directamente con documento histórico, uso del hechos noticioso recientes.

2. La inserción de historias atroces y disparatadas, en las que los protagonistas aparecen generalmente como víctimas y los antagonistas como victimarios. La idea de salvación externa, oráculo, destino caótico que deja a la humanidad a la deriva de la catástrofe.  Varios personajes de niñas en etapa adolescente salvadoras de ese espacio que queda después de la guerra.

3. El gusto por lo clásico, lo cruel, lo obsceno, la muerte, como consecuencia de la guerra amarillista en algunos casos. Desbordados en texto  y palabras obscenas contra la mujer y el hombre como ser humano.

4. Evidente pasión por la renovación de las formas expresivas: proyecciones, personajes que se doblan, espacios ficcionados, fantásticos. Temas cotidianos, relaciones amorosas, familiares, contextos humildes, crítica a las instituciones (militares, religiosas, educativas, de poder)

Mis 15 elegidas con alta calificación  

*No contamos con el nombre del autor/a, pues las obras se presentaron ante el jurado con seudónimo.

Augurios de cuervos

Tragedia en cinco actos, de solidez dramática, y coherencia argumental. Historia de la guerra desde el mestizaje. Indio y gitanos.

Línea de personajes clara y acción dramática contundente que desenreda la trama paso a paso. Imágenes de múltiple significado cruzan la escena cerrando cada contenido. Referentes literarios aparecen claramente transformando en un nuevo texto que amplía los universos dramáticos.

El trabajo de estructura clásica griega sobrepuesto en realidades colombianas: coro, gitano viejo, acordeonero, mujeres parteras, que leen los sueños, el aparecido, nos van develando la historia del país y su violencia envueltas en un vaticinio clásico. Rezo final como una voz de esperanza.

Existe un protagonismo de la voz de los vencidos. La voz de los muertos en el coro de dolientes va marcando referentes literarios en el tratamiento de los personajes como del realismo mágico. Coronel, mujer que come tierra, el gitano, la que lee los sueños. La peste del olvido, un país en luto, mujer que teje mortaja. Un rico manjeo en su textualidad poética entre cantos y diálogos.

Dedos de bronce

Es un texto muy completo con un buen tejido dramático y solidez en el universo planteado. Le expone al lector/espectador  retos en las imágenes de espacios y movimientos en las acotaciones, y un discurso de múltiple significación. Alude a muchos temas actuales con una historia de ficción entre dos ciudades.

Estructura fantástica en su argumento, personajes sólidos en sus líneas de pensamiento. Acción dramática en progreso relevante para la trama.

Un lenguaje elaborado en estilo narratológico en algunos personajes. Tiene un giro al final sorpresivo.

La forma de narrar la fábula es innovadora. El argumento fantástico y los personajes ficcionales, con animales. El tratamiento de la violencia en ficción dramática teje contundente el discurso poético.

Fragmentaciones de un general enamorado

Una propuesta sólida en contenido, discurso, trama y argumento. Explicación inicial del universo planteado con fragmento de recuerdos es coherente durante todo el texto. Mostrando temas  importantes del país: corrupción, verdad, veracidad, fidelidad, homosexualismo en unas elites de poder.

La estructura es fragmentada, juegos con el actor/espectador de información registrada sobre la trama. Acotaciones y textos de los personajes completan la acción dramática hábilmente. El texto cae hasta que se desnuda la trama.

Arriesgada forma de narrar, búsqueda de tipos de lenguaje, y acotaciones que completan el universo final. Recuerdos fragmentados de la historia del país, información condensada. La yuxtaposición de textos en diferentes tempos en el fragmento final, donde se devela el conflicto es innovador y contemporáneo en el uso de diferentes textualidades.

Pájaro de fuego

Una obra fantástica para actores y marionetas de buena elaboración dramática y coherencia interna. Referentes de la oralidad americana con el último sol sutilmente hilado en la historia, así como de elementos de la narración fantástica.

Hábil uso del futurismo en las situaciones dramáticas y la construcción de los personajes y sus lenguaje. Imágenes poéticas de los espacios propuestos en el fin de la alineación de un cometa. Valor de los símbolos del ecosistema aludiendo a un discurso ecológico.

Innovador en el uso del público como elemento fantástico para resolver el conflicto final y la estructura dramática general, en el estilo de cuento fantástico mezclado con la cosmovisión americana

¡¡Uepaajeeey!!

La obra es completa y coherente en sí misma, recupera la oralidad como origen de nuestra dramaturgia original; hila con canciones, décimas y oralidad autóctona el tema del mestizaje, dándole el valor innegable a la cultura indígena Wayuu y a la historia del Vallenato. Nos pasea por todas las grandes Leyendas vallenatas en el mundo de los sueños, en el mas allá. Realismo mágico en su solidez y coherencia interna.

La calidad el texto es altísima al rescatar  las canciones de oralidad, danzas y leyendas dentro de una propuesta dramaturgia. Al recuperar la importancia del sueño y el eterno retorno en su trama recupera toda la cosmovisión de La Guajira y de un imaginario colombiano. Sus personajes son parte la construcción de nación popular, hilando con el presente de la zona de La Guajira y las injusticias de los desplazamientos de sus territorios sagrados. Sin caer en discursos didácticos, ni de denuncia, la tensión y el argumento dramático marcan un equilibrio  dramático lleno de sorpresas.

La innovación está en el valor descolonizado del pensamiento dramático. Dándole valor a la oralidad como base textual de un drama latinoamericano. La urgencia de este tema para mostrar no solo parte de la validez textual, musical, sonora e imaginaria de estas historias que no son solo folclor sino el imaginario colectivo de la nación. La memoria que nos puede hacer pasar al más allá del conflicto.

Otras recomendadas 

Frank y Linda

La obra propone un juego entre los tres personajes de gran solidez dramática y coherencia argumental interna, la interpolación de épocas se va hilando sutilmente en el universo sin perder verosimilitud. Las reflexiones sobre el amor, la pareja, la estética, la filosofía, la religión, la vida y la muerte son bien hilvanadas escena por escena, elaborando un complejo tejido que mantiene la  expectativa.

La calidad del texto dramático y sus constantes referentes literarios son de fino humor y juegan con el tiempo histórico de los personajes, sin perder la noción del presente. La acción dramática logra un hilo sutil del lenguaje, que nunca deja de sorprender. Los personajes construyen imágenes vivas en su línea de pensamiento, sin dejar  la complejidad del discurso, sin perder lo cotidiano del dialogo.

Los referentes literarios, la propuesta sonora y atmosférica explicada desde el inicio, compone rítmicamente un juego interesante de dramaturgia. Sencilla pero compleja en significados y aportes de sentido.

Olor a café

El texto propone un unipersonal, pero la calidad de la narración en la propuesta juega más allá del monologo. Contexto del país y su violencia son descritos y narrados de una manera ágil, sólida  y coherente.

Los textos superponen varias narraciones y van dibujando en el lector/espectador una historia de tiempos y lugares, así como los personajes que rodean a la protagonista. La línea de pensamiento pasa del retorno, al recuerdo, y va hilando la memoria de una región del país muy simbólica como es el eje cafetero. Sutilmente va develando la situación dramática convulsa y cruda. Propone imágenes dentro del texto que completan el universo: drogas, violencia, abuso.

Es importante rescatar la forma de narrar, el cómo las imágenes simbólicas recurren a construir un voz de  la víctima. El texto dramático construyendo interrumpidamente el tiempo del lector, hasta llegar a completar los acontecimientos que la protagonista ha vivido para estar hoy en ese presente.

Técnica mixta

La propuesta de dos hombres, hijos de líderes del pasado histórico, se encuentran en un país europeo en un museo de arte moderno.  Se develan la historia íntima de la muerte de sus padres. Interrumpidos sonoramente y sensorialmente por una instalación sobre la guerra de Sarajevo de un artista plástico. La obra logra una buena condenación entre el contexto y las situaciones argumentales propuestas, el hilo de la trama y la calidad de los diálogos escogidos va develando poco a poco la historia de los personajes, haciendo coherente su trama interna.

El origen político y familiar de los diálogos componen las situaciones relevantes entre los personajes sin llegar hacer anecdóticos, lo que es importante para el desarrollo de la trama. La línea de los personajes y sus emociones  se van complejizando hasta llegar al final. La situación de la crisis del conflicto al no poder salir de ese espacio hasta llegar a la verdad, es una herramienta dramática importante para la acción dramática  así como la última develación en el epilogo, de la verdadera razón de la disputa de los padres y su posible parentesco.

El espacio donde se desarrolla la acción dramática, “la instalación”, completa los significados y profundiza los recuerdos, creando atmósferas importantes para el contexto del país.

Traspasos

Obra sobre la migración y el retorno al país de origen de Marcos. Lugares fronterizos: aeropuerto, fronteras. Fragmentos de las escenas subdividías como rompecabezas, buen final cierra la trama argumental.

La estructura es segmentada así como todas sus escenas. Que se intercalan, dando una información incompleta al  lector intencionalmente, para finalmente unir todas las piezas en la escena final. Los personajes Ana y Solano son víctimas de Marcos. La acción dramática también se suspende entre cada segmento de escena. Algunas son situacionales para aclarar la biografía de los personajes. Condensación de la información  que devela varios temas relevantes como: migración, frontera, ilegalidad, dirigencia política, enfermedad  terminal.

La estructura que se intercala logra giros de interés para conocer más antecedentes del argumento. Información condensada con fines dramatúrgicos. La citación del tiempo real que se muestra durante todo el texto compone una la línea de lenguaje narrativo que completa el argumento. Siendo otra prueba de lo interesante de esta propuesta.

Reloj 77

Propone una visión subjetivista para al espectador desde la visión y escucha de ella: la protagonista. Acciones que se repiten, imágenes que se narran en un tiempo particular, un álbum de fotografías contextualizan el pasado, el territorio habitado; casas, parejas, niños. Un cuerpo metálico de Hortensio se va develando y se pliega a ella. Poco a poco. La propuesta es sólida en su universo. Propone un lenguaje diferente que da coherencia al yuxtaponer textos referenciales, Valéry sobre  la relación del dolor y  la música. Con las acciones propuestas de las acotaciones.

Estructura paralela de acciones con sonidos que crean atmósferas vitales. Bach. Tornamesas, teléfono, avión, Lectura texto. Imágenes que se repiten definiendo color y espacios citadinos de un adentro y afuera. Hay otra mujer que acompaña, fragmentos del cuerpo de esa otra mujer que lee: sugiere la deshumanización y metalización del cuerpo. Ambiente de post-catástrofe. Hortensio, personaje ausente toma presencia con sus partes metálicas. El espectador completa las historias. Repetición de imágenes que construyen espacios íntimos.

Poética de las imágenes acotadas, texto con acción dramática viva. Impulsos lumínicos que completan sentido. Estructura innovadora con múltiples significados para un presente caótico.

El torbellino comunero

Es la otra historia de la rebeldía de los comuneros, tomado el estilo de comedia del arte, un narrador contextualiza la historia al presente con buen humor y tono didáctico. No pierde coherencia ni solidez con el juego de estilos.

La estructura juega entre dos lenguajes populares, aparentemente lejanos (la farsa y la obra popular colombiana).  Por medio del matachín que con humor boyacense lleva al público siempre hacia el presente. Personajes históricos caricaturizados, como las obras didácticas brechtianas.

La trama refleja el pensamiento colonial que aún nos persigue. Siempre recordando no olvidar por medio de estribillos que dan coherencia a la obra.

El uso del estilo  de los personajes de la comedia del arte con el contexto colombiano. Música y coplas. Arriesga la acción dramática y el argumento con el uso de documentos históricos. Capitulaciones, decreto, etc.

La ciudad de la furia

Dos cantantes de hip hop en una gran ciudad.  En 17 momentos se narra la ciudad a ritmo de beat y sus múltiples acontecimientos. Su  coherencia interna se fracciona al final cuando no se cierra muy bien la trama. La elocución del presidente me interroga pues no corresponde a la ciudad que venían describiendo.

El texto juega con varios lenguajes interesantes, intercala canto, rap e imágenes de la poética de la ciudad. Las acotaciones logran atmósferas de espacios urbanos que son aprovechados por los personajes y sus diálogos. El argumento reflexiona sobre los barrios periféricos y  la discriminación.  Ambos lados del conflicto son abordados con peripecia: policía, estudiante, cantantes, media televisión. Instituciones.

El tema de la ciudad a partir de las clases sociales y sus espacios urbanos por momentos narrativos es valioso para indagar desde las líneas de los personajes propuestos.

Obediencia debida

La obra indaga en “intertextual situacionales”, mostrando facetas del mundo contemporáneo, en un ambiente rural a través de dos líneas paralelas de diálogo, la narración de un pasado, y el conflicto de estar adentro o afuera. Tema la identidad de un territorio con un final poco esperanzador.

La estructura es interesante por manejo del tiempo. El conflicto de sus protagonistas, guardián y campesino, y otros personajes, conducen  inter-escenas relevantes para la trama, como la bruja, la maldición, el pueblo, el ritual, el médico, el tío. Los entre cuadros son tejidos con precisión y mantienen la tensión de la acción dramática. La línea de los discursos de los personajes mantienen el conflicto de las situaciones planteadas. Sin embargo, al final no cierra la situación del pasado. Ni todos tienen el mismo nivel de desarrollo en el discurso.

La innovación sería, el uso del argumento del cuento Ante la ley de Franz Kafka, inmersos en la realidad colombiana, la elaboración del tejido entre las dos historias: guardián – tío. El mundo rural frente a la autoridad es interesante pero no culmina en transformación dramática.

Un ocaso frente al río 

Divida en capítulos transcurre la obra en la selva frente a un río. Situaciones de espera y diálogos de soldados y capitanes. Los códigos de escritura varían entre texto y acotación. La voz de los personajes busca similitud entre ellos, podría ser el mismo soldado o el mismo capitán.

Cierta poética del texto contiene buenas descripciones atmosféricas entre capítulos; personaje ausente que los observa crea tensión dramática, interesante. La acción de la espera y el estado de muerte develada al final, genera un seguimiento del texto importante como hecho dramático.

Cuenta con algunos aspectos novedosos en la narración, los monólogos interiores, la voz del victimario/víctima aportan a la narración y al tema de la guerra. El final es sorpresivo y abre los significantes del contexto nacional a un territorio más íntimo.

El puto misterio o Un cuarto de hora antes de la víspera

El texto propone un cambio en el tiempo de la situación y de los personajes como base de la estructura interna de la obra. Entre las ruinas, después de un desastre, se devela un misterio que no se resuelve en los cuatro actos. Tres personajes mayores en decadencia discursan sobre el destino trágico, la sobrevivencia, la premonición, el fin del mundo y el ser elegidos. Para poder caminar de espalda a un tiempo futuro, manejo del tiempo ancestral.

La estructura en espiral sin embargo regresa a un futuro ya previsto, va de atrás hacia delante en el tiempo, pensamiento Aymara. El misterio que no se devela jamás construye un interés en lo que pudo haber ocurrido. El uso de los elementos expresivos es útil para hilar los actos con el sentido del universo propuesto, ejemplo: la música, los truenos, los elementos en la caja de la bruja, entre otros.

El riesgo de la propuesta es buscar las acciones dramáticas en la nada, en el no lugar.  Así como el manejo del tiempo en el desarrollo del conflicto. Tiempo inicial día 24, tres días antes de que se acabe el mundo, tiempo final personajes más viejos – futuro. Designio del destino.

*Conozca el documento Premio distrital de dramaturgia TEATRO EN ESTUDIO Idartes 2017 – Acta de ganadores, dando clic aquí.

One Response to Apuntes sobre la evaluación del concurso de dramaturgia distrital “Teatro en estudio” de Idartes 2017

  1. inti amaru dice:

    Gracias por el aporte. En realidad la mayoría de concursos se quedan en dar los resultados y no visibilizan los procesos artísticos y dramáticos que se revelan actualmente en la ciudad. El documento se convierte en un análisis investigativo de la dramaturgia contemporánea bogotana, que para este 2017 fue numerosa.

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